HIT THE ROAD (JADDE KHAKI)

  LUNDI 25 AVRIL 2021 - 20H30

au Six N'étoiles

HIT THE ROAD de Panah Panahi

suivi d'une discussion avec Bamchade Pourvali

SYNOPSIS : Iran, de nos jours. Une famille est en route vers une destination secrète. A l’arrière de la voiture, le père arbore un plâtre, mais s’est-il vraiment cassé la jambe ? La mère rit de tout mais ne se retient-elle pas de pleurer ? Leur petit garçon ne cesse de blaguer, de chanter et danser. Tous s’inquiètent du chien malade. Seul le grand frère reste silencieux.

Un nouveau réalisateur iranien est apparu sur la carte du cinéma international, et pas n’importe lequel : Panah Panahi est né sous une bonne étoile (en 1984), si l’on peut dire, puisqu’il est le fils de Jafar Panahi, l’un des maîtres de la nouvelle vague iranienne, tout à la fois honoré dans les grands festivals et condamné en 2010 dans son propre pays à ne pas tourner de films pendant vingt ans (entre autres peines).

L’auteur de Ceci n’est pas un film (2011) a réussi à contourner l’interdiction, décrochant même l’Ours d’or à Berlin avec Taxi Téhéran (2015). L’héritage n’est pas des moindres pour le fils qui, dès son enfance, a pu assister aux tournages de son père et à ceux d’Abbas Kiarostami (1940-2016), autre immense artiste. Le jeune homme a aussi « secondé » Jafar Panahi sur ses derniers longs-métrages (Trois Visages, en 2018…).

Hit the Road, premier long-métrage de Panah Panahi, n’est pas une œuvre frontalement politique, s’amusant à déjouer la censure, mais ce road-movie cache sous le capot une histoire d’exil – le titre renvoyant à la chanson culte de Ray Charles, Hit the Road, Jack (1962). Nous voici embarqués dans un break gris métal, luisant sous le soleil de plomb : à l’arrière, un enfant débordant d’énergie (Rayan Sarlak), sympathique et fatigant, est assis à côté de son père (Hassan Madjouni) qui a la jambe dans le plâtre. La mère (Pantea Panahiha) est à l’avant, côté passager, tandis que le fils aîné (Amin Simiar) conduit sans dire un mot.

L’atmosphère est bizarrement tendue et légère à la fois : les parents ne manquent pas d’humour, le langage est cru, direct, et la musique pop crachée par les enceintes – des chansons d’avant la révolution iranienne de 1979 – remet tout le monde de bonne humeur. En creux, le film dessine le portrait d’une famille ouverte, moderne – et comme dans Taxi Téhéran, de Panahi père, l’espace de liberté se trouve ici aussi réduit à l’habitacle de la voiture.

Le Monde, avril 2022

Panah PANAHI

Panah Panahi est né à Téhéran en 1984. Il étudie le cinéma à l'Université des Arts de Téhéran. Son premier court métrage a été présenté et récompensé dans de nombreux festivals nationaux et internationaux. Il a été membre du jury du Festival Cinefan du cinéma asiatique et arabe d'Osian. Il devient photographe de plateau, puis assistant opérateur et assistant réalisateur. Il a également été consultant, monteur et assistant réalisateur sur les films les plus récents de Jafar Panahi, son père, réalisateur entre autres de Taxi Téhéran et Ceci n'est pas un film, toujours officiellement interdit de faire des films et de quitter le pays. Hit the road (Jadde Khaki en version originale) est le premier long métrage de Panah Panahi.

Bamchade POURVALI

Bamchade Pourvali est docteur en cinéma, il remplit actuellement les fonctions d'ATER à l'Université Gustave Eiffel après avoir enseigné à l'Ecole Polytechnique. Spécialiste de l'essai filmé et du cinéma iranien, il est l'auteur de livres consacrés à Chris Marker (Cahiers du cinéma, 2003), Jean-Luc Godard (Séguier, 2006) et Wong Kar-wai (Amandier, 2007) et le rédacteur de dossiers pédagogiques sur L'Homme à la caméra de Dziga Vertov (CNDP, 2010), Iranien de Mehran Tamadon (CNC, 2016) et My Sweet Pepper Land d'Hiner Saleem (CNC, 2017). Il dirige le site Iran ciné panorama consacré à l’Histoire et à l’actualité du cinéma iranien.

KAMEL BENKAABA & LUCHINO VISCONTI

 VENDREDI 15 AVRIL 2022 - 20H

à la Villa Nuraghes

 KAMEL BENKAABA 

& Luchino Visconti

Kamel BENKAABA

Kamel Benkaaba, docteur en cinéma, a enseigné l’histoire du cinéma et l’analyse filmique à la faculté des lettres et des sciences humaines d’Aix en Provence. Il enseigne actuellement au département Média, Cognition et Communication de l'université de Copenhague dans les domaines suivants : " Le cinéma scandinave"," La nouvelle vague française", "Les séries télévisées'', " Les théories de la culture et de la communication" et" Le cinéma au Moyen-Orient".

Ce vendredi 15 avril 2022, il est venu nous présenter la vie et l'oeuvre de Luchino Visconti avec anecdotes, visionnages d'extraits et explications artistiques. Voici un résumé partagé par Allociné :

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Issu d’une grande famille de Lombardie, Luchino Visconti est le quatrième de sept enfants. Il grandit en fréquentant assidûment l’opéra et en s’occupant d’une écurie de chevaux. Sa famille, constituée de très influents mécènes, reçoit régulièrement les acteurs du monde de la culture. C’est en 1936 que sa carrière cinématographique commence, lorsqu’il est engagé comme assistant réalisateur et costumier sur deux films de Jean Renoir : Les Bas-Fonds et Une Partie de campagne. Après un voyage à Hollywood, il collabore une fois encore à l'un des projets de Renoir, La Tosca, adapté de l’opéra de Puccini et donc de la pièce de Victorien Sardou. Visconti participe au scénario et assiste Renoir avant que ce dernier ne soit remplacé par l'allemand Carl Koch, au moment où éclate la guerre.

Très influencé par le cinéma réaliste, Visconti dirige son premier long métrage Les Amants diaboliques (1942), inspiré du roman Le facteur sonne toujours deux fois. Toujours intéressé par la scène, il crée une troupe de comédiens et monte plusieurs pièces lyriques. Il revient à la réalisation pour La Terre tremble (1948), dans lequel il dénonce les conditions de vie des milieux populaires. Le film est un échec commercial retentissant, qui n’empêche pas le cinéaste de retrouver les faveurs du public avec Bellissima (1951), sujet plus "grand public" sur les coulisses du monde du cinéma. Plus marquante est sa première œuvre couleur Senso, qui peint un drame sur fond de guerre italo-autrichienne (1866). Fini le réalisme, place à la fresque historique. Visconti est nommé pour ce film au Lion d’or de Venise.

Retour au noir et blanc pour Les Nuits blanches (1957), une histoire d’amour interprétée par Maria Schell, Marcello Mastroianni, et Jean Marais, qui lui vaut cette fois le Lion d’argent à Venise. Son film suivant est l'un de ses plus célèbres : Rocco et ses frères (1960), qui présente le parcours d’une famille émigrée à Milan et cherchant désespérément du travail. Inspiré de Dostoievski, le film, contenant des scènes d’une rare violence pour l’époque, est en partie censuré en Italie, mais obtient le Prix spécial de la Mostra. C’est l’histoire campant les difficultés financières du prince Salina (Burt Lancaster), aristocrate désargenté obligé de marier sa fille à un nouveau riche, qui va lui apporter la reconnaissance unanime. Il s’agit du Guépard (1963), éblouissant film d’époque, d’une parfaite maîtrise technique (l’inoubliable scène du bal), qui lui assure une Palme d’or au Festival de Cannes, et devient un succès commercial et critique dès sa sortie.

Après Rocco et Le Guépard, Claudia Cardinale est à nouveau l’héroïne du réalisateur dans le rôle de Sandra (1965), qui cache un terrible secret d’enfance à son mari, interprété par Michael Craig. Le film obtient le Lion d’or à Venise, prix qui avait toujours échappé à Visconti. Deux ans plus tard, il tourne une adaptation du roman d’Albert Camus, L' Etranger, en se dotant d’un casting français : aux côtés de Marcello Mastroianni, se distinguent ainsi Bernard Blier, Anna Karina, Bruno Cremer ou Georges Wilson. Outre ses propres films, Visconti participe également à des films à sketchs dont il réalise des segments comme dans Les Sorcières (1967) ou Boccace 70 (1962) et co-réalise un documentaire à la fin de la seconde guerre mondiale : Jours de gloire. A la recherche de Tadzio est une curiosité : le metteur en scène se filme lui-même en quête d’un jeune acteur pour incarner Tadzio dans son film Mort à Venise.

Mais la spécialité de Visconti demeure la fresque historique à grande échelle. C’est ainsi qu’est mis en chantier Les Damnés (1969), coproduction italo-américaine réunissant Dirk Bogarde et Ingrid Thulin. Thème cher au réalisateur, le film raconte l’effondrement d’un empire familial à l’avènement du IIIème Reich, et se voit nommé aux Oscars pour son scénario. Visconti va aller toujours plus loin pour montrer la décadence et filmer les destins tragiques de ses personnages. Son esthétique toujours très travaillée et son attention aux costumes trouvent leur paroxysme dans Mort à Venise (1971), film de la Belle Époque, racontant les doutes d’un musicien en manque d’inspiration, qui va retrouver le goût de son art grâce à un jeune adolescent. Visconti évoque ensuite la vie dramatique de Ludwig (1972), roi de Bavière, de son couronnement à sa mort. Joué par Helmut Berger, le roi est trahi, amoureux de sa cousine qui le rejette, tourmenté par ses penchants homosexuels, et sombre peu à peu dans la folie. Les années passant, le cinéma du réalisateur italien se fait de plus sombre, voire crépusculaire, impression renforcée par ses deux derniers films.

Il retrouve Burt Lancaster et Helmut Berger pour Violence et Passion (1974), l’histoire d’un professeur qui loge chez lui une femme et ses problèmes. Visconti présente une réflexion sur le vieillissement, la solitude et l'approche de la mort. Son dernier film, L' Innocent, porte sur la jalousie d’un homme poussée à l’extrême, jusqu’à la folie. Luchino Visconti meurt au printemps 1976, touché par une forme grave de thrombose, peu de temps après avoir visionné un premier montage de L' Innocent, dont il n'était pas satisfait. Le film est présenté au public dans cette version, mises à part quelques retouches apportées par sa collaboratrice Suso Cecchi d'Amico, fondées sur les indications laissées par le réalisateur lui-même au cours d'une discussion de travail. Visconti laisse derrière lui une œuvre d’une richesse incroyable, qui fait de l’homme une légende du cinéma.

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PETITE NATURE

  LUNDI 21 MARS 2022 - 20H30

au Six N'étoiles

 PETITE NATURE de Samuel Theis

SYNOPSIS : Johnny a dix ans. Mais à son âge, il ne s’intéresse qu’aux histoires des adultes. Dans sa cité HLM en Lorraine, il observe avec curiosité la vie sentimentale agitée de sa jeune mère. Cette année, il intègre la classe de Monsieur Adamski, un jeune titulaire qui croit en lui et avec lequel il pousse la porte d’un nouveau monde.

Petite nature est un film avec un espace frontalier où les acteurs non-professionnels peuvent circuler librement. C'est le cas d'Aliocha Reinert, interprète aussi jeune que prometteur. C'est un film incarné, lumineux et finement écrit. La pauvreté y apparaît dans sa vérité nue, sans misérabilisme. La contemplation amoureuse et le désir naissant y font l'objet d'un traitement inédit. Un récit d'émancipation poignant.

Samuel Theis

Né en 1978, Samuel Theis étudie l'art dramatique à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts et Techniques du Théâtre puis il intègre l'atelier scénario de La Fémis avant de co-réaliser son premier film Party Girl avec Marie Amachoukeli et Claire Burger. Le film, à la frontière entre documentaire et fiction, ouvre la sélection Un certain regard à Cannes et obtient la Caméra d’Or. Il est aussi acteur et metteur en scène. Petite Nature, produit par Caroline Bonmarchand, est son deuxième long-métrage.

Bande-annonce ici !

SOIREE COURTS METRAGES

  LUNDI 07 MARS 2022 - 20H

à la Villa Nuraghes

 COURTS METRAGES

primés aux Césars

Le César du meilleur court métrage est une récompense cinématographique française décernée par l'Académie des arts et techniques du cinéma de 1992 à 2021. 

Ce soir-là, projection de trois courts métrages.

L'HOMME SANS TETE

L'Homme sans tête est un court métrage franco-argentin réalisé par Juan Diego Solanas sorti en 2003. 

Le film décrit, comme son nom le suggère, la vie d'un homme sans tête qui se prépare à son rendez-vous galant.

Film ici !

LE CRI DU HOMARD

Le Cri du homard est un court métrage franco-belge réalisé par Nicolas Guiot, sorti en 2012. Il a remporté le César du meilleur court-métrage en 2013.

En France, le 31 août 2004, une famille russe récemment immigrée de Moscou attend Boris qui revient de Tchétchénie où il a combattu dans l'armée russe. Natalia, sa sœur âgée de six ans, est impatiente de revoir son frère à qui elle avait confié Dacha, sa poupée, avant son départ pour la guerre. Après avoir tué quelques homards et festoyé une partie de la nuit, le lendemain, c'est la rentrée des classes pour la fillette et le premier jour de travail pour Boris. Mais ce même 1^er septembre 2004, la radio annonce une prise d'otages dans une école en Ossétie-du-Nord, à Beslan.

Film ici !

L'ACCORDEUR

L'Accordeur est un court métrage réalisé par Olivier Treiner, sorti en 2010. Ce court-métrage a remporté 55 prix dans 100 festivals. Et en février 2012, lors de la 37e cérémonie des César, il est récompensé par le César du meilleur court-métrage. Il a été diffusé pour la première fois à la télévision le 9 mars 2012 sur France 3.

Après un échec à un concours international, un jeune pianiste prodige se reconvertit en accordeur de piano prétendument aveugle (car les gens croient que les sens, particulièrement l'ouïe, d'un aveugle sont plus aiguisés). C'est une autre façon de jouer, un peu bizarre et qui, même s'il semble amusant de s'introduire presque innocemment dans l'intimité de personnes convaincues qu'on ne les voit pas, peut réserver des sensations extrêmes à qui la pratique. 

Pour ceux qui ont raté la projection, vous pouvez revoir les deux premiers films avec les liens dans les descriptions. 

Puis, pour ceux qui veulent, voici le lien où vous pouvez trouver d'autres courts-métrages : 

http://www.formatcourt.com/2017/10/5-courts-primes-aux-cesar-en-ligne/

CINEMA LATINO

  SAMEDI 19 FEVRIER 2022

au Six N'étoiles

 SOIREE CINEMA LATINO

avec Cédric Lépine

    

LES SERIES TELEVISEES

 LUNDI 31 JANVIER 2022 - 20H

à la Villa Nuraghes

 LES SERIES TELEVISEES 

présentées par André Utrago

    Depuis le début des années 2000, portées par une nouvelle génération de fictions ambitieuses, aux intrigues et à la dramaturgie foisonnantes, les séries rencontrent un succès sans précédent, tant en audiences qu’en retours critiques. Chaque épisode d’une nouvelle série phare est attendu par des millions de spectateurs·rices.

    La série, pourtant, n’est pas une invention récente, mais une forme vieille de plus de soixante ans, qui puise ses origines encore plus loin dans le temps : dans le roman-feuilleton du XIXe siècle, les serials cinématographiques et les feuilletons radiophoniques.

    André Utrago nous a présenté l'histoire des séries télévisées à travers un panorama d'années en années. Puis nous avons projeté l'épisode pilote (épisode 1 de la saison 1) de la série policière The Shield.

The Shield

The Shield est une série policière américaine créée par Shawn Ryan et diffusée entre 2002 et 2008. En dépit de son manque de considération auprès du grand public, elle est considérée par de nombreux spécialistes comme l'une des plus grandes séries de tous les temps.

SYNOPSIS : Vic Mackey, inspecteur de police de Los Angeles dans le quartier fictif et malfamé de Farmington, est aussi le chef de la « Brigade de choc » ("Strike Team"), inspirée d'une véritable brigade antigang du LAPD (Los Angeles Police Department). Ses méthodes pour combattre le crime, peu conventionnelles (brutalité, corruption et meurtre) mais très efficaces, flirtent souvent avec celles utilisées par les criminels qu'ils poursuivent lui et son équipe.

LUZZU

 LUNDI 17 JANVIER 2022 - 20H30

au Six N'étoiles

 LUZZU de Alex Camilleri

SYNOPSIS : De générations en générations la famille de Jesmark pêche à bord du Luzzu, bateau en bois traditionnel maltais. Mais Jesmark voit son avenir menacé par la raréfaction des récoltes et l’ascension d’une pêche industrielle impitoyable.

Jesmark Scicluna & Michela Farrugia

Le luzzu est une petite embarcation de pêche qui fait le fierté de son propriétaire. Jesmark Scicluna en possède un et c’est son gagne-pain qui lui a été légué par son père, qui l’avait lui-même reçu du sien. Un bateau transmis de génération en génération qui permettait d’aller pêcher et de vivre décemment pour un artisan. Tout cela appartient à l’histoire maintenant, la pêche industrielle est passée par là et les prises deviennent toujours plus maigres. L’Union européenne a alors édicté des règlements pour protéger la faune marine. Règlements qui ne sont pas respectés par ceux qui peuvent payer des fonctionnaires tatillons mais corrompus. Pour les petits, point de salut. Jesmark est de ceux-ci. Sa luzzu a besoin d’être réparée et, comme un malheur n’arrive jamais seul, son bébé a des problèmes de croissance. Une difficulté supplémentaire qui met à mal le couple que Jesmark forme avec Denise lorsque celle-ci va chercher de l’aide auprès de sa famille. La fierté du jeune homme en prend un coup.

Lorsqu’il parle de Luzzu, son premier film en tant que réalisateur, Alex Camilleri se réfère au néo-réalisme italien, au Visconti de La terra trema (La terre tremble, 1948). Comme pour les cinéastes italiens, il s’agit de donner la parole à ceux qu’on oublie trop souvent. Il est donc normal que ses personnages principaux soient incarnés par des acteurs non-professionnels et ce sont eux qui donnent cette puissance au récit car ils ne « jouent » pas. Jesmark Scicluna (c’est son vrai nom) impressionne ainsi par sa présence à l’écran, et il n’est pas le seul. L’île de Malte a pu servir de décors à de nombreuses réalisations hollywoodiennes. Cette fois-ci, c’est la Malte réelle que nous montre Camilleri dans une évocation émouvante et convaincante. Elle est belle, certes, mais c’est loin d’être un paradis pour Jesmark et ses compagnons.

Alex Camilleri

Originaire de Malte et vivant à New York (États-Unis), Alex Camilleri suit des études en Littérature et Réalisation documentaire au Vassar College, où il réalise son court métrage Still Here sélectionné à Cannes. Il travaille en tant que monteur sur différents projets cinématographiques. Son premier long métrage, Luzzu, est présenté en compétition au World Cinema Dramatic à Sundance en 2020, où Jesmark Scicluna reçoit le Prix d’Interprétation.

OLGA

LUNDI 13 DECEMBRE 2021 - 20H30

au Six N'étoiles

 OLGA de Elie Grappe

SYNOPSIS : 2013. Une gymnaste de 15 ans est tiraillée entre la Suisse, où elle s’entraîne pour le Championnat Européen en vue des JO et l’Ukraine où sa mère, journaliste, couvre les événements d’Euromaïdan.

Bande-annonce par ici !

Elie Grappe

 

Elie Grappe étudie pendant dix ans la musique classique au Conservatoire National de Lyon, puis intègre en 2011 le département Cinéma de l’École Cantonale d’Art de Lausanne dont il sort diplômé en 2015. Dans le cadre de sa formation, il réalise Répétition, puis son court-métrage de diplôme : Suspendu. Les deux films sont sélectionnés dans plusieurs festivals internationaux. Il dirige ensuite le casting et coache les interprètes du film de Blaise Harrison, Les Particules.

 

 

Olga, premier long métrage de Elie Grappe fait partie de la 60e sélection de la Semaine de la Critique 2021. Le film a reçu à Cannes le Prix SACD, récompensant le travail d'écriture de Raphaëlle Desplechin et Elie Grappe. Depuis sa présentation sur la croisette, Olga a également été sélectionné dans de nombreux festivals comme ceux de Karlovy Vary, Hambourg (Prix Sichtwechsel), Rome (Alice Nella Città - Mention spéciale) ou encore Miami.

LES AMANTS SACRIFIES

 

LUNDI 22 NOVEMBRE 2021 - 20H30

au Six N'étoiles

LES AMANTS SACRIFIES de Kiyoshi Kurosawa

SYNOPSIS : Kobe, 1941. Yusaku et sa femme Satoko vivent comme un couple moderne et épanoui, loin de la tension grandissante entre le Japon et l’Occident. Mais après un voyage en Mandchourie, Yusaku commence à agir étrangement… Au point d’attirer les soupçons de sa femme et des autorités. Que leur cache-t-il ? Et jusqu'où Satoko est-elle prête à aller pour le savoir ? 

 

Kiyoshi Kurosawa

Après Au bout du monde en 2019, sorte de Lost in Translation en Ouzbékistan, déjà atypique dans la filmographie dominée par le cinéma fantastique, le japonais Kiyoshi Kurosawa continue de dépayser son œuvre prolixe et déterminante avec pour la première fois un récit historique et en costume qui lui a été proposé par deux de ses anciens étudiants, dont l’un se trouve être un des cinéastes les plus en vue du moment, Ryusuke Hamaguchi, l’auteur notamment de Senses et Drive My Car, prix du scénario à Cannes cette année.

 

 

Entièrement filmé avec une élégance neutre, le film est vraiment un double portrait d’une haute complexité, un homme et une femme embarqués dans les méandres d’un destin à la fois politique et amoureux particulièrement retors et qui est un véritable défi à l’évaluation morale des personnages tant nous demeurent opaques les véritables intentions ou ressorts. Le climat de paranoïa créé par la militarisation de la société en plein délire nationaliste et impérialiste suicidaire diffuse sur chaque situation une lumière oblique et transforme les individus en un composé un peu fascinant, indiscernable de stratèges hypocrites et de héros idéalistes.

Bande-annonce par ici !

RENCONTRE A NURAGHES

François Mingues, Jessica Blanc, Benjamin Marziac & Aurélie Aloy

Voici l'équipe de Benjamin Marziac qui est venue nous présenter, en Novembre 2021, leur travail.

Ils nous ont projeté deux de leurs courts métrages réalisés ensemble.

François Mingues, acteur, Jessica Blanc, assistante réalisation, Benjamin Marziac, réalisateur et directeur photo & Aurélie Aloy, actrice.

C'était une chouette soirée, nous les remercions vivement !